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Les gens assis par terre est un cycle de 4 performances sonores et visuelles qui se donnent à entendre et à lire par épisodes.
Ces séances prennent place dans une salle de spectacle (plateau ou lieu d’exposition) immersive (d’un seul niveau sans gradins ni sièges).
Le public, plongé dans la pénombre, est assis par terre, éparpillé au milieu d’un dispositif sonore de 11 haut-parleurs différemment disposés et orientés (un au centre à hauteur d’oreille, un sur le côté, quatre posés au sol dans les angles, un au lointain et quatre au plafond) et d’une projection vidéo.
Chacune des séances met en présence et en alternance des écritures visuelles et des séquences sonores : des textes projetés qui se donnent à lire morcelés mot à mot, parfois syllabe par syllabe, creusés de vides arbitraires, et qui interviennent comme des intertitres, une forme de commentaire, d’introduction ou d’écho aux séquences sonores.
Ce récit haché met en perspective deux types de subjectivités, deux je : un je entendu, entité vocalement incarnée et un autre je lu, qui peuvent devenir tout à tour porte-parole, conscience et confidence mais aussi projection mentale pour toute personne du public.
Chaque épisode de ce cycle prend la forme d’un récit solo fragmenté et déplié laissant éclater différentes facette possibles d’un je.
 

La sonnerie du soir est un théâtre de voix pour une salle plongée dans l’obscurité. Ces 4 séances d’écoute, qui se donnent à entendre par épisodes, réunissent un ensemble inédit de pièces sonores, parlées, musicales et silencieuses, dont le fil conducteur est suggéré par quelques repères temporels, nocturnes ou diurnes, et la présence récurrente des mêmes voix. Se succèdent amorces de récits, monologues, exhalaisons, rêveries et paysages miniatures

La chambre d’écho est une performance sonore qui se joue pour un public éparpillés plus ou moins au milieu d’un dispositif de 4 sources sonores.
Un premier haut-parleur est posé à hauteur d’oreille et positionné plus ou moins au centre parmi le public, il diffuse des voix. Un deuxième et un troisième haut-parleurs sont posés au sol, de part et d’autre du public, pour diffuser en stéréo des musiques et des ambiances. Enfin, un quatrième est caché et situé dans un espace annexe pour diffuser des sons et bruits au lointain. Les voix sont suspendues dans le vide, les récits amorcés, creusés, énigmatiques, les sons électriques, diffus ou en éclats, les paysages miniatures, et les silences approximatifs ou tranchants. Le réel découpé, atrophié, déplié dans la pénombre pour une fiction possible, intime et mentale.

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visuel d’annonce pour Instants Chavirés, 2019

Les lettres blanches est une installation qui prend place dans deux espaces contigus et met en présence deux éléments dissemblables néanmoins dépendants l’un de l’autre : des sons et des mots de natures étrangères mais attachés par un lien formel, un synchronisme fort.
Quatre haut-parleurs (trois dans le premier espace, un dans le second), posés au sol, agencés librement et différemment orientés, diffusent bruits et flux indéterminés (tous dans un registre grave et électrique), sans cesse interrompus, repris, soustraits, additionnés. Ce montage sonore, nerveux, instable, est ce qui se perçoit en premier.
Dans le second espace, un texte est projeté, en noir sur fond blanc, dans un format le plus grand possible, sur la presque totalité du mur du fond. Il se donne à lire séquencé, fragment par fragment, en pointillé, entrecoupé de vides, sans rythme repérable, soumis à une mesure et une logique suspendues, un défilement inéluctable, sûr de son cheminement. Lorsque l’on prend connaissance de la scansion des mots projetés, on peut se rendre compte qu’il existe une relation, une tension et un synchronisme exact entre l’apparition et la disparition de chaque fragment du texte et chaque départ, arrêt et événement sonores, entre l’écoute et la lecture.
Le texte projeté peut prendre le statut d’une voix absente, non genrée, d’un corps qui chemine dans un lieu, un paysage et un temps également indéterminés, seulement évoqués par quelques détails, actions, événements, et quelques repères temporels et spatiaux.

Tout est bouleversé est une installation sonore pour 24 haut-parleurs. Elle prend place, en plein air, dans les jardins du Château de Versailles, plus précisément le bosquet du Dauphin.
C’est une oeuvre disloquée, éclatée, néanmoins narrative, qui fait entendre une voix qui circule, de façon éparpillée et irrégulière dans les douze allées du bosquet. Un éclatement de fragments très courts qui se suivent en quinconce, se répondent, se complètent ou se diffractent, entrecoupés, séparés et liés par les silences.
Une femme monologue. Elle évoque en quelques mots (suspendus dans le vide, sans contexte ni informations) ses difficultés à se souvenir, à s’orienter dans le temps et dans l’espace, à définir ce qui la lie aux autres, ce qu’elle ressent comme changement et comme bouleversement. La vocalisation d’une identité non centrée, diffractée et changeante.
La personne qui se promène dans les allées du bosquet peut être saisie, au milieu de chacune, par la présence prégnante et intermittente de la voix, mais peut également percevoir à distance les fragments des autres allées alentour, des plus proches aux plus lointaines.
Le montage sonore global distribue un éparpillement spatial, hiérarchisé et étagé par les distances et les connections entre les allées. En même temps qu’il fait cheminer un fil conducteur, une pensée en mouvement, un entêtement, un monologue intérieur.

L’installation Exhalaisons est extérieure. Elle est située dans un parc et prend place sur un banc.
Deux haut-parleurs au sol, cachées dans des niches derrière le banc, diffusent des séquences de quelques secondes, entrecoupées de silences. Chaque séquence, introduite et close par des voix sans texte (respirations, toux, chantonnements), met en place une rumeur, un état instable qui s’additionne aux sons naturellement produits par le lieu et les alentours urbains.
L’écoute du lieu (les activités au loin, la nature, la route, les trains) est provoquée, favorisée, d’autant plus retrouvée que momentanément (quelques secondes) empêchée. Les sons de l’oeuvre diffusée, comme stimuli, sous-couches, interrupteurs fermeture – ouverture de l’oreille. Les voix (sans texte), présences et exhalaisons, comme une peau, intermédiaire entre l’intérieur (les sons de l’oeuvre) et l’extérieur (les sons du lieu).

Le fil conducteur est une composition issue d’une forme de censure. La censure d’un enregistrement que j’ai réalisé, il y a quelques années, avec une personne qui me parle, rit et me raconte des choses, certaines que je connaissais, d’autres que j’ignorais.
Paroles hachées et découpées au scalpel – au risque de l’inintelligible – desquelles j’ai effacé une grande partie des mots et des phrases (tout ce qui constitue l’essentiel d’un propos pour comprendre de quoi l’on parle). Chaque parole manquante remplacée au montage par des fréquences électriques, monolithiques et compactes, comme par marouflage, en rendant manifeste la trace de l’effacement.
Surnagent de ce naufrage : des lambeaux de phrases, un squelette de récits, de micros gestes vocaux, quelques pronoms, verbes et quelques indications concernant les heures.
J’ai choisi de diffuser ce montage en séparant et en répartissant les deux couches imbriquées dans l’espace entier de l’exposition. D’une part, en périphérie, ce qui reste de la voix, scindée, éparpillée, mobile, sur un ensemble de 7 haut-parleurs, blancs, fixés aux murs à différentes hauteurs. D’autre part, vers le centre, les fréquences électriques sur un ensemble de 4 haut-parleurs, noirs, massifs et posés au sol.
L’installation met en relation, en tension, en lutte, ces deux couches sonores, l’une centrifuge, l’autre centripète, qui se font face. Quelques silences, arbitrairement posés, permettent à la personne qui parle et à la personne qui écoute de reprendre souffle.

Les heures creuses est une installation sonore pour théâtre vide qui se visite dans les heures creuses de la programmation du lieu. 

Imaginée en 2019 pour le T2G-Théâtre de Gennevilliers, à la suite d’une invitation initiée avec la galerie Édouard Manet, elle occupe le grand plateau du théâtre, pris dans son entier : les allées, les gradins, la salle, la scène et la verticalité béante de la cage de scène.
Elle s’adresse à un public solitaire et mobile, libre de circuler en journée dans tout l’espace de cette grande salle de spectacle.

Cette installation temporaire joue sur notre émotion d’entrer dans une immense salle vide, habituellement peuplée et en représentation, pour nous plonger dans notre quant-à-soi, un espace mental habité par des voix (qui nous racontent un incendie, un empêchement, une faim, une douleur spéciale, une chanson, un oubli), des silences instables, des apparitions sonores et musicales perçues à proximité ou à grande distance, des éléments détachés (le vent, l’eau, l’électricité) d’un paysage à inventer, de couches sonores suspendues dans le grand vide, en dialogue et en résonance. Une intimité et une solitude dans une cavité enveloppante, pour une machine résonante totale.

Avec un dispositif de 8 haut-parleurs (trois haut-parleurs sur pieds pour les voix sur scène et dans les gradins, un haut-parleur en fond de salle pour le lointain et quatre haut-parleurs tout en hauteur dans les cintres pour les musiques et les éléments atmosphériques), cette expérience inédite est le support d’un long récit ouvert et pluriel, d’une fiction possible, sans durée fixe et à l’humeur changeante, jouant de la liberté de notre écoute, de notre déplacement, de notre attente, de notre peur ou de notre mémoire.

réactivations

Acquise en 2020 par le CNAP, l’œuvre est pour quelques années en dépôt dans le lieu pour lequel elle a été créée, réactivée pendant quelques jours lorsque la direction du théâtre le choisit et selon la disponibilité et les creux de la programmation.