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La veilleuse est une installation sonore pour théâtre vide.
Elle se visite dans les heures creuses du théâtre : cette émotion d’entrer dans une grande salle totalement vide, habituellement peuplée et en représentation, et de se trouver en présence de voix, de silences, d’apparitions sonores qui proviennent des différents côtés et niveaux de la salle, des gradins, du plateau, du fond de scène, des paroles et des sons entendus dans la distance, proches, lointains.

La veilleuse est un dispositif pour quatre haut-parleurs (deux dans la salle au milieu des sièges, un troisième sur scène et un quatrième caché au fond de la scène) qui diffusent un montage dans lequel de courtes séquences de voix seules (la plupart issues de pièces précédentes), hachées et entrecoupées de silence, interagissent, se croisent, s’entrecoupent, parfois s’additionnent, d’un bord à l’autre du volume global de la salle de théâtre.

Dans cette version, les quatre haut-parleurs pour les éclats métalliques dessinent, dans un premier grand espace résonant, un plan incliné qui accompagne leur gravité. Les voix sont diffusées en haut d’une mezzanine, transformée en un espace protégé à l’acoustique feutré. Le vent est diffusé depuis des coulisses cachées à la vue.
 

L’installation, ici, prend place dans un ancien abri anti-atomique, un réseau de neuf espaces souterrains, très résonants, en enfilade et reliés les uns aux autres par une seule ouverture.
Les éclats métalliques rebondissent d’un mur à l’autre et balisent la déambulation jusqu’aux voix cachées. Seul, le dernier espace, qui accueille ces voix, et qui est la butée du parcours, est plongé dans le noir et feutré (isolation phonique).

Dans cette première version de l’installation, Quelqu’un par terre occupe un bâtiment dans son entier, sur trois niveaux ouverts les uns aux autres (deuxième et troisième niveaux en coursive). Au rez-de-chaussée, espace très réverbéré, quatre haut-parleurs fixés aux murs pour les éclats de chaise.  Au deuxième niveau, dans une pièce sur le côté, un haut-parleur caché : le vent qui serpente dans tout le bâtiment. Au troisième niveau, espace feutré, un haut-parleur posé sur socle pour les voix. Les voix se font entendre indistinctement et petit à petit lors de l’ascension de l’escalier, et deviennent enfin claires, distinctes et complètes une fois tout à fait en haut.
 

version avec sous-titres

Quelqu’un par terre (Someone on the ground) se compose de trois parties sonores, liées secrètement entre elles (un son qui en cache un autre) et diffusées dans trois espaces contigus. Dans cette version avec traduction, un quatrième espace est symboliquement constitué par un écran fixé sur un côté.
L’installation occupe tous les espaces de l’exposition collective, une cohabitation rendue possible par le silence des autres œuvres.
Première couche de l’œuvre : aux murs du sas d’entrée, deux haut-parleurs fixés près du sol fait entendre le son du vent. Deuxième couche : fixés en hauteur aux murs de l’espace principal, quatre haut-parleurs diffusent les éclats métalliques dans toute la résonance du l’exposition. Troisième couche, intermédiaire : sur un côté, un écran fixé à hauteur de regard diffuse les sous-titres en langue anglaise.
Dernière couche : dans un espace plus restreint et ouvert sur l’extérieur, un haut-parleur sur socle fait enfin apparaître les voix (en français).
Traduction en anglais de Miles Hankin.

Je m’en vais est une installation qui articule deux plans sonores, répartis dans deux espaces contigus.
Dans la salle des fêtes de l’Aubette 1928, vaste et résonante, rassemblés au centre et irrégulièrement posés au sol, quatre haut-parleurs diffusent les fragments éclatés de brouhaha (qui semble provenir d’une fête familiale : voix, appels, bribes de chants et de musiques qui se mêlent aux rires) jouant avec les silences et la résonance du lieu.
Dans le foyer-bar, plus petit et moins résonante, un haut-parleur posé sur un socle diffuse la voix d’une enfant qui évoque un départ, une fugue, et passe en revue sa stratégie pour fuir le rassemblement, la fête (que l’on perçoit à distance, provenant de la salle attenante) : rassembler le nécessaire, se glisser, sans se faire entendre des autres, dans l’entrebâillement de la porte. 
Un troisième élément sonore, des exhalaisons (respirations, prises de souffle, toux), émises  par le même haut-parleur du foyer-bar sont en connexion directe et synchrone avec les fragments de brouhaha (de la salle des fêtes) et en sont, pour chaque séquence, comme un déclencheur et une interruption.
Le dispositif formel de cette installation reproduit ce que raconte l’histoire : une voix, seule au premier plan, qui s’exclue et s’affranchit d’un ensemble.

Dans cette exposition collective, un haut-parleur pour la voix nous accueille dans le coude de l’entrée.
Les quatre haut-parleurs pour le brouhaha sont posés aux quatre coins du vaste et second espace, tournés vers les murs pour jouer avec la  grande résonance du lieu.
En concertation avec les autres artistes de l’exposition (Dominique Blais, Pascal Broccolichi et Jérôme Poret) et l’acousticien Kerwin Rolland, chacune des œuvres et sculptures sonores est diffusée en alternance avec les autres, tour à tour allumée puis éteinte.
Le temps de la visite (d’une durée totale de 23’17) découpé en quatre partitions autonomes.

version avec sous-titres

Je m’en vais (I’m leaving).
Pour cette version avec traduction, à mi-chemin entre les deux espaces, sur le parcours qui mène de la voix au brouhaha, un écran, fixé au mur diffuse les sous-titres synchrones aux paroles de l’enfant.
Traduction en anglais de Miles Hankin.
 

version en plein air pour 7 haut-parleurs

Je siffle au bord du quai est une installation en plein air pour sept haut-parleurs, qui associe deux oeuvres imbriquées l’une dans l’autre : Je siffle et Au bord du quai.
En pleine forêt et au bord d’un lac, l’installation peut se être entendue de très loin, même ténue, discrète et cachée dans le paysage. En s’approchant, le lieu de l’œuvre se précise : un ensemble de sept arbres situés en surplomb du chemin ont été choisis pour délimiter une circonférence. En haut du tronc de chacun, un haut-parleur est fixé, l’ensemble des sept orientés en tous sens.
Un sifflement (Je siffle) serpente d’un haut-parleur à l’autre, égrène ses fragments mélodiques, incomplets, effilochés, obstinés et répétés, entrecoupés de silences et de temps en temps interrompus par de très courtes séquences hachées de bruits et de passages de trains sans arrêt (Au bord du quai : avec cette sensation que l’on nous coupe la tête).
Le son mince et ténu du sifflement qui se faufile dessine une géographie perturbée : il nous interpelle, nous enveloppe, s’approche puis s’éloigne, nous pouvons partir à sa recherche, essayer de le suivre, mais ses apparitions surprises, son cheminement irrégulier et fuyant nous désorientent.
 

version en intérieur

L’idée de l’œuvre des sifflements est venue suite à une habitude que j’ai : lorsque je visite un lieu, je siffle en me déplaçant, j’égrène quelques bribes de mélodies qui me viennent soudain, j’improvise, j’éprouve le silence et la résonance, comme un premier repérage, une première mesure.
Lors de cette première version en intérieur, l’installation a trouvé son rythme et sa mesure par l’imbrication des deux pièces d’origine : le sifflement et les interruptions de train.
L’installation prend place dans les deux espaces de la galerie, laisse les sols et les centres vides pour occuper la périphérie des murs.
La résonance du lieu et les échos qui rebondissent de tous côtés, accentuent la surprise, la perte de repère et la vitesse de propagation qui rendent l’œuvre, même à portée de main, fuyante et fantomatique.
 

Au bord du du quai – version pour 2 haut-parleurs

Au bord du quai est localisée sur deux haut-parleurs fixés au mur.
Cette installation fait entendre, entrecoupées de très longs silences (certains de plusieurs minutes), des séquences très brèves de passages de train sans arrêt, avec la sensation que l’on nous coupe la tête. Fragments abrasifs, lancés et ponctués par des sons percussifs ultra courts assimilables à des manipulations d’objets en verre.
Ces séquences micro architecturées semblent intervenir presque par hasard, au beau milieu de l’espace qu’elles viennent perturber, réveiller, parasiter.

Il y a, ensuite est une installation pour quatre haut-parleurs, deux voix et une musique.
Dans cette version, les deux voix et la musique habitent les trois niveaux de la galerie, sont entendues dans l’ensemble des espaces et dialoguent à distance.
La musique, diffusée sur deux haut-parleurs fixés au bas du mur au milieu des autres oeuvres, dans l’espace du bas et dans l’espace du haut, encadre les deux voix, diffusées elles sur des haut-parleurs fixés à hauteur d’oreille, l’une dans l’entrée, comme accueil, l’autre dans l’espace intermédiaire du bas. 
La musique, répétitive, horizontale et linéaire, perçue au loin ou à proximité selon le niveau de la galerie dans lequel on se trouve, enclenche la narration et accompagne la scansion des voix qui se répondent à distance : une enfant, d’une part, voix centrale qui décrit fragment par fragment un paysage à reconstruire (panorama, détails proches et lointains), un paysage possible, composite, à moitié réel ou inventé, et une femme, d’autre part, voix secondaire qui interroge et relance le récit.


visuel de communication – extrait transcription

 

Lors de l’exposition dans l’île de Vassivière, Il y a, ensuite a pris place dans un petit théâtre (espace frontal avec petit gradin).
Dans la première partie de l’espace, en haut du gradin, deux haut-parleurs posés au sol diffusent la musique. Plus loin, au-delà des quelques marches, sur ce qu’on peut nommer la scène, deux haut-parleurs sur socle, à distance l’un de l’autre, diffusent les deux voix.
Le paysage possible, imaginaire et découpé, évoqué par la voix de l’enfant trouve des résonances avec le paysage réel de l’île. Ce paysage dont nous pouvons apercevoir un fragment au travers de la petite fenêtre sur le mur du fond, point de vue cadré sur la nature, le lac.

L’installation Il y a, ensuite occupe toujours deux espaces. Un espace pour la sous-couche musicale, et à proximité, un espace pour les deux voix.
Dans cette version pour la collection du musée, une cloison haute dessine un premier espace, un sas dans lequel deux haut-parleurs, sur socle et à mi-hauteur, diffusent en symétrie la musique.
Au-delà de cette cloison, dans un espace beaucoup plus vaste et ouvert, deux haut-parleurs, sur socle et à hauteur d’oreille, tenus à distance et orientés spécifiquement (le second regarde le premier qui, lui, regarde au loin), diffusent les deux voix, tandis que l’on continue d’entendre, légèrement atténuée, la musique en accompagnement.

Dans cette version, Il y a, ensuite prend place dans un grand et double escalier symétrique, à la croisée des différentes salles du musée.
La musique occupe le premier palier, et les voix, le second. Les deux haut-parleurs pour la musique sont posés, en symétrie, sur le rebord de fenêtres. À l’étage supérieur, les deux haut-parleurs pour les deux voix, sont fixés en hauteur des fenêtres, de part et d’autre de l’axe central et orientés en légère plongée.
Comme nous avons le choix de monter par l’escalier de gauche ou celui de droite, nous pouvons découvrir en premier soit la voix de l’enfant, soit celle de la femme. Sur le second palier, à équidistance des deux haut-parleurs, les deux voix se rejoignent, tandis que l’on continue d’entendre, provenant de l’étage inférieur, la musique en accompagnement.
 

version pour 2 haut-parleurs et sous-titres

Il y a, ensuite (There is, then) : dans cette version pour voix seules, la sous-couche musicale a été soustraite. La rue en contrebas et le trafic des voitures créent une rumeur qui se fait entendre à l’intérieur de l’exposition et occupe, dans l’économie de l’écoute requise, la place de la musique. La grande longueur de la verrière du lieu d’exposition permet de diffuser les deux voix à deux pôles très distants l’un de l’autre.
 
Au mur sur le côté, un écran diffuse les sous-titres (traduction en anglais) des paroles (en français).écrite et synchrone des paroles (en français). Traduction en anglais de Chet Wiener.